在10年的教學過程中，柏林音樂學院大提琴教授喬安娜·薩倩踏足歐洲、北美洲、亞洲，接觸到各個年齡段的大提琴學生，她發現、總結了大提琴專業學生亟需了解與掌握的四大問題，對于大提琴學生而言至關重要。

1.巧用符號歸納當代演奏技法

喬安娜總結，不少學生對當代大提琴作品感到難以駕馭——相比古典時期，當代作品的創作與表現手法更加復雜，風格更加多元化，很多演奏技巧是從未有過的。例如，今年3月剛剛去世的波蘭著名作曲家克里斯托弗·潘德列茨基，其四首重要大提琴作品從根本上影響了當代器樂演奏的審美，營造出獨特的調式世界，加上創新的多變音色，在當代曲庫中占據重要地位。其中，大提琴協奏曲的華彩樂段可作為一首精彩的炫技小品獨立演奏，尤其在演出返場時。

對于演奏者來說，讀譜當代作品時難免會遇到技法相同、但被不同作曲家以不同符號記譜的情況。對此，喬安娜有自己的應對方法——將常用的當代演奏技法符號逐一列出，以供查對。她認為，在這些龐大信息、繁復技巧之上，最重要的是無窮的想象力與勇氣。每一位演奏者都需要花費大量時間、精力找尋技術問題的正確解決途徑，同時最大限度豐富音色的多樣性。

2.基礎訓練應重視

技巧訓練至關重要，它可以幫助我們發掘自身演奏的潛能，增長耐力、增強肌體，實現更高境界音樂表現力的能力。對器樂演奏者來說，如果缺乏足夠的練習，音樂表現力只能是空中樓閣。這就是喬安娜如此強調音階和練習曲重要性的原因。一首練習曲，好似一系列嚴謹小框架的結合體，需要在注意力高度集中的狀態下精準控制，以防像演奏協奏曲時那樣情感起伏、分走心神。

對于年輕的學生來說，在大提琴上探尋自己獨特的音色是必不可少的。喬安娜分析，大提琴演奏者需要在弓速與力度之間發掘音色氛圍、揉弦的頻率和富有表現力的滑音，并具備挑選適合自己曲目的能力。琴弓對我們來說，就像是歌唱家的肺，是我們音樂呼吸的重要器官。因此，喬安娜建議大家從空弦開始每日的練習，帶或不帶揉弦的長音都可以。還有一種基本訓練必不可少，它可以增加弓的控制力，鍛煉自如調整弓速的能力，并加強對音色的敏感——將弓貼近碼子，極慢速演奏弱音或強音。

當然，練琴時不要忘了隨時查看自己的身體是否舒適，是否需要調整姿勢。因此，找到一個可以堅持幾小時、適合自己的坐姿格外重要。脖子不要前傾、臀部放松，這樣我們的軀干就可以幫助自己演奏出更渾厚的聲音。“大提琴的學習者們，請記住我的肺腑之言，在我們的整個音樂生涯中，一息尚存，不忘音階！每日練習。不要老想著拉快拉強，要像歌者一樣，控制身體，感受呼吸，再用右手把它表達出來。最后請記住，要有耐心，不放棄！”喬安娜說。

3.拓寬視野豐富藝術想象力

演奏家最重要的使命就是用手中的樂器去表達作曲家的精神，完成作曲家寄托在作品中的情懷。我們是在用自己的琴聲講述那些觀眾感興趣的故事。培養藝術的想象力，使你的思想更深邃、更廣闊，有助于使琴聲更有感染力。

喬安娜認為，想更了解作曲家，就需要演奏學來幫忙。“僅僅靠聽唱片，無法幫助我們成為一名真正的音樂家。”喬安娜說，必須走出家門、進入劇院欣賞現場音樂會、歌劇和芭蕾舞劇，觀看展覽，領略那些非音樂的其他藝術，在世界各地走一走、看一看。讀書，不僅限于音樂類圖書和音樂家傳記，讀作曲家所處時代的小說、詩歌，這樣你才能真正了解作曲家生長的環境。比如，要想了解貝多芬，就要先了解他的時代，那時的歷史、文化、維也納和歐洲的生活氛圍，以及作曲家使用的語言——貝多芬、舒伯特、舒曼的歌曲和歌劇。而想要演奏好柴科夫斯基的作品，就需要了解俄語的特點，多聽柴科夫斯基、穆索爾斯基、肖斯塔科維奇的聲樂作品及歌劇，然后一本本拜讀屠格涅夫、切喬夫、托爾斯泰、布爾加科夫、普希金這些大文豪的著作。之后你會發現，相較于德語，俄語的聲音更加圓潤，音調更長，輔音更柔和。德語和法語的區別也是同理。我們還可以從法國畫家克勞德·莫奈、德國畫家梅·利伯曼，或卡斯珀·大衛·弗里德里希的繪畫色彩中找尋到這種文化差異。掌握了這些知識，再去處理作曲家的作品，便會茅塞頓開。

喬安娜特別對中國學生提出建議：因為語言的關系，需要額外學習與使用音樂術語，這些描述音樂力度、速度、色彩的詞多為意大利語，也有德語（如馬勒的作品中）及法語（如德彪西的作品中）。讀懂這些提示可使自己免于陷入技術的漩渦，幫助理解作曲家意愿。

4.大繁若簡掌握經典作品風格

從巴洛克、古典、浪漫到近現代、當代，大提琴已經有300多年的歷史，積累了很多作品，學生經常問喬安娜教授，最喜歡哪些作品？每個時期應該掌握哪些作品？

喬安娜表示，作為欣賞各類風格的忠實愛樂人，這真是一道難題。很多時候，當下的心情決定了想要聆聽或演奏的曲目。“我最喜愛那些在我生命的重要時刻學習或演奏過的樂曲，那些偉大的成熟作品、那些成就我音樂生涯的杰作。比如，作為大提琴演奏者必須掌握的《巴赫大提琴無伴奏組曲》，傾聽、演奏巴赫的作品，使我感到像回到家中一樣自在、安穩，使人找到內心的平衡。”喬安娜說，在學習這些作品的過程中，我們需要掌握復調概念、氣息的分布、和聲的進行，并注意音樂、樂句的走向。它提醒我們：大繁若簡。這些經驗都可幫助學習者對古典主義時期，比如海頓的音樂有更深的感悟。

“另一位舉足輕重的作曲家是貝多芬。我喜愛他創作的所有奏鳴曲、杰出的弦樂三重奏和四重奏、9部交響曲、歌劇《費德里奧》，以及鋼琴三重奏和三重奏協奏曲。其中《《降B大調鋼琴三重奏》(Op.97)，也就是《大公三重奏》，對我來說，就如同‘東臨碣石、以觀滄海’，他的音樂教會我以愛周旋于命運的挑戰。”

喬安娜分析，當我們年少時，更容易被勃拉姆斯的音樂打動——它浪漫、憂郁又甜美多汁，用大提琴演奏起來，余音繞梁。而學習肖斯塔科維奇的音樂則意義深遠——他的大提琴、室內樂以及交響樂作品是一種象征，仿佛一位站在歐洲經年歷史變遷面前的目擊者。那些嚴肅而微妙的音樂特征，就如同作曲家本人一樣，忽而狂野亦或光彩四射，時而陰沉時而滿懷愉悅。好好研究這些偉大的作品，勤奮練習，日積月累，我們的演奏功力也會與時俱進。
有聲始于無聲，人心歸于山水，喬安娜建議音樂演奏者應常常回歸大自然，尋覓寂靜的片刻，對體會音樂大有裨益。